在马明博的新作《禅遇》里，读到了宋代画僧法常的《六柿图》，我被它迷住了。
一张雪白宣纸，画着六颗柿子，没有色彩，只用水墨写成，其中五颗排成一行，另一颗在稍前方。墨之浓淡焦湿，恰到好处：当中一颗浓黑如漆，向左向右，墨色渐淡，最边两颗果体竟未著色，纯用淡墨勾勒轮廓，显得更圆润，更写意。六颗柿子，饱满厚实，排列错落有致，充满着生命的气息。在它们之外，宣纸上别无一物，既无题字，也无落款，只有大片的空白，像天空一样的白。整幅画面，散发着一种淡淡的恬静之美。
这是一幅著名的禅画。作者法常，常被人们与其他同名者混淆。可以肯定的是，他为宋元时人，出生在蜀，羁居于浙。据元代《图绘宝鉴》记载：“僧法常，号牧溪，喜画龙虎、猿鹤、芦雁、山水、树石、人物，皆随笔点墨而成，意思简当，不费装饰。但粗恶无古法，诚非雅玩”。这是根据作品反读画僧其人了。在元代以后许多文人心中，法常的画是不太受欢迎的。然而在日本，其影响极大，地位极高，甚至被评为“日本画道的大恩人”。这真是一种奇怪而有趣的现象。
那么，在《六柿图》里，法常要向我们表达着什么呢？马明博这样解释：“六柿者，六事也，菩萨行广度众生事业，不外乎布施、持戒、忍辱、精进、禅定、智慧六事。”有道理。然而对一幅省略了意向和所指的禅画来说，我们可以有更多的诠释方式。譬如柿谐音事还是世？六柿是否为画僧对世界本源的认知？佛教讲求六识，六柿是否暗指了眼、耳、鼻、舌、身、意？有人说，《六柿图》画的是几位僧侣正在讲谈经法。看来，怎么解释都通。一幅精妙的禅画作品，不一定要承载多少知识量，而必定会为读者留存许多的想象和阅读空间。
还是不要作似是而非的解释了吧。一个美的事物，分解开来最终可能有两个结果：一为不美，二为极丑。
能想到八百年前的一个秋天，径山寺或者六通寺，前院或后院，种着一两株或者许多柿子树。一颗颗金黄的柿子悬挂着，世俗的果实，宗教的果实。而后被一只只手连蒂摘下，终于有其中几颗放到法常跟前。法常眼中燃烧着六朵小小的黄色火焰。火焰燃烧，火焰熄灭，然而一种智慧在法常心中产生，他拿起画笔，抻开宣纸，磨墨，濡墨，随意点染，雪白的宣纸上呈现出六颗鲜活的墨柿。这六颗柿子，“不施彩色，任意泼墨渖，俨然若生”（日本绘画大师东山魁夷语）。它们已经摆脱了粗浅的食用价值，而上升到高深的审美高度。瞬间笔墨遗存下永恒之美。
《六柿图》，是法常对生命和世界的体验迹化。如果说这六颗柿子已经衍变成一个特定的美学符号，我宁愿相信它们背后隐藏着丰富的信息。《六柿图》充满着无法诠释和实证的美，这种美质是永恒的，无始无终，不生不灭，不增不减。（能够生灭和增减的不是美质，而是美感，读者的审美感受。）一切高尚的艺术品是经得起时间的考验的。阅读着《六柿图》，读者心中没有所谓的高峰体验，即“诗意的狂喧”。法常将他的艺术情感，已转化为一种秋水般淡定的智慧，来表达他对真的诠释，对善的崇拜，对美的理解。而关于艺术家，我始终有一个大胆的论断。人在本质上是一切社会关系的总和。但是，一位真正的艺术家首先是孤独的。其首性是孤立性，而非社会性。他（她）首先得是一个完全独立的个体，然后才是一个群体中的个体。在作品中，他（她）们最终不营造名利局，而要创造审美场。美与作品，是盐溶于水，愚者找盐，聪者品水，智者看白。
《六柿图》，充满着减法的内敛之美，也充满了乘法的生命愉悦。在它里面，黑与白，虚与实，奇与偶，内与外，没有矛盾、对抗和挣扎，而共同结构出一种和谐的美，一切和融不隔。
而后，在《六柿图》诞生的八百年后的一个秋天，它以禅遇的方式迷住了我，然后，又轻轻地唤醒了我。